Ребята, мы вкладываем душу в сайт. Cпасибо за то,
что открываете эту красоту. Спасибо за вдохновение и мурашки.
Присоединяйтесь к нам в Facebook и ВКонтакте

Европейские художники начали использовать масляную краску в XV веке, и с тех самых пор именно с ее помощью создавались самые знаменитые картины всех времен. Но и в наши высокотехнологичные дни масло по-прежнему сохраняет очарование и загадку, а художники продолжают изобретать новые техники, разрывая шаблоны в клочья и раздвигая границы современнного искусства.

сайт выбрал работы, которые восхитили нас и заставили вспомнить о том, что прекрасное может рождаться в любую эпоху.

Обладательница невероятного навыка польская художница Юстина Копанья (Justyna Kopania) в своих экспрессивных размашистых работах смогла сохранить прозрачность тумана, легкость паруса, плавное покачивание корабля на волнах.
Ее картины поражают своей глубиной, объемом, насыщенностью, а текстура такова, что от них невозможно оторвать взгляд.

Художник-примитивист из Минска Валентин Губарев не гонится за славой и просто делает то, что любит. Его творчество безумно популярно за рубежом, но почти незнакомо его соотечественникам. В середине 90-х годов в его бытовые зарисовки влюбились французы и заключили с художником контракт на 16 лет. Картины, которые, казалось бы, должны быть понятны только нам, носителям «скромного обаяния неразвитого социализма», понравились европейской публике, и начались выставки в Швейцарии, Германии, Великобритании и других странах.

Сергею Маршенникову 41 год. Он живет в Санкт-Петербурге и творит в лучших традициях классической русской школы реалистичной портретной живописи. Героинями его полотен становятся нежные и беззащитные в своей полуобнаженности женщины. На многих самых известных картинах изображена муза и жена художника - Наталья.

В современную эпоху картинок высокого разрешения и расцвета гиперреализма творчество Филипа Барлоу (Philip Barlow) сразу привлекает внимание. Однако от зрителя требуется определенное усилие для того, чтобы заставить себя смотреть на размытые силуэты и яркие пятна на полотнах автора. Наверное, так видят мир без очков и контактных линз люди, страдающие близорукостью.

Живопись Лорана Парселье (Laurent Parcelier) - это удивительный мир, в котором нет ни грусти, ни уныния. У него вы не встретите хмурых и дождливых картин. На его полотнах много света, воздуха и ярких красок, которые художник наносит характерными узнаваемыми мазками. Это создает ощущение, будто картины сотканы из тысячи солнечных зайчиков.

Маслом на деревянных панелях американский художник Джереми Манн (Jeremy Mann) пишет динамичные портреты современного мегаполиса. «Абстрактные формы, линии, контраст светлых и темных пятен - все создает картину, которая вызывает то чувство, которое человек испытывает в толпе и суматохе города, но также может выразить и спокойствие, которое обретается при созерцании тихой красоты», - говорит художник.

На картинах британского художника Нила Саймона (Neil Simone) все не так, как кажется на первый взгляд. «Для меня мир вокруг - это череда хрупких и постоянно меняющихся форм, теней и границ», - говорит Саймон. И на его картинах все действительно иллюзорно и взаимосвязано. Границы смываются, а сюжеты перетекают друг в друга.

Итальянец по происхождению современный американский художник Жозеф Лорассо (

В мире искусства существует огромное количество произведений, которые потрясли весь мир и, сломав привычные стереотипы, оставили важнейший след в истории. Творцы всемирноизвестных шедевров живописи бросили своеобразный вызов обществу, который изменил его представление о красоте и раздвинул устоявшиеся рамки. Поскольку в истории искусства таких революционных произведений много и всех их охватить невозможно, мы решили уделить внимание 10 самым известным полотнам художников разных столетий.

Мона Лиза (Джоконда) — Леонардо да Винчи

Мона Лиза

Картина «Мона Лиза» («Джоконда») кисти Леонардо да Винчи, наверное, самое известное произведение гения. Это полотно действительно прекрасно и бесценно. Находится оно в музее Лувр. Создан шедевр в 1514 — 1515 гг. До недавних пор предполагали, что картина была написана раньше — в 1503 г.

На картине изображена жена торговца шелком из Флоренции Франческо дель Джоконда — Лиза Джерардини, поэтому вначале итальянцы, а затем и французы стали называть картину «Джоконда». Знаменитый историк XVI века Джорджо Вазари был в восхищении от портрета и в своей книге «Жизнь выдающихся итальянских архитекторов, скульпторов и художников» назвал ее сокращенным вариантом от слова madonna («моя госпожа») — Мона Лиза.

В процессе работы над картиной художник, путем тщательной композиции, мягкой гамме тонов и живописным приемам, достиг той гармонии, благодаря которой мы видим изображение как бы сквозь невидимую дымку. Этот легкий налет прикрывает небольшие детали, смягчает очертания и создает невидимый переход между формой и красками. Леонардо да Винчи дал нашему воображению многое, поэтому Джоконда не перестает поражать ценителей искусств на протяжении веков, глядя на нас с портрета, словно живая.

Картину очень сложно описывать словами: чем дольше зритель смотрит на нее, тем больше она воздействует на него. Он проникается ее магнетизмом и начинает ощущать то манящее очарование, которое не перестает покорять людей всего мира столетиями.

Черный квадрат — Казимир Малевич

Картина Казимира Малевича «Черный супрематический квадрат», написанная в 1915 году, до сих остается одной из самых скандальных, известных и обсуждаемых произведений в русском искусстве. Этот шедевр входит в серию супрематических работ художника, в которую также вошли картины «Черный круг» и «Черный крест». В данном цикле Малевич попытался исследовать базовые цветовые и композиционные возможности.

Полотно представлено в виде небольшого холста шириной и длиной по 79,5 сантиметров. Основной фон работы — белый, в центре выполнено изображение большого квадрата черного цвета. По словам художника, он работал над полотном на протяжении нескольких месяцев.

Стоит отметить, что к написанию картины Малевич пришел не сразу. Работа над декорациями оперы «Победа над солнцем» являлась предвестником ее появления. В частности, одну из декораций (солнце) мастер решил заменить на черный квадрат. По задумке художника, данный прием помог бы ему передать идею торжества творчества человека над природой.

Критики неоднозначно отреагировали на эту работу Малевича. Некоторые из них даже утверждали, что картина является современной альтернативой иконам, что полотно свидетельствует о поисках некой новой религии, о хаосе мира. По утверждению самого художника, «Черный квадрат» - это своеобразный символ вершины искусства и в то же время его конца.

Остается неоспоримым тот факт, что на картине изображена загадочная бездна, которая затягивает и дает бесконечный полет фантазии.

Автопортрет с терновым венцом и колибри — Фрида Кало

Знаменитая картина мексиканской художницы Фриды Кало «Автопортрет с терновым венцом и колибри» была написана в 1940 году. В этом автопортрете гениальной женщины выражена тяжелая душевная боль, которую она испытывала после развода со своим мужем — художником Диего Ривера. Эта боль передана в виде шипов, которые сковывают ее шею. Впоследствии, после разрыва со своим супругом, Фрида Кало сказала: «В моей жизни было две аварии, − говорила Фрида. − Первая − трамвай, вторая − Диего. Вторая страшнее».

Крик — Эдвард Мунк

Картина «Крик» норвежского художника-экспрессиониста Эдварда Мунка была создана в период с 1893 по 1910 годы. В первую очередь бросается в глаза изображенная в центре полотна фигура кричащего человека. На лице, перекошенном от ужаса, зритель видит безграничное отчаяние на грани безумства. Художник передал мощные человеческие эмоции достаточно простыми средствами.

«Крик» — символ экспрессионизма, своего рода, прелюдия к искусству XX века. Работа Мунка и на сегодняшний день является одной из самых неординарных и загадочных в мировой живописи. Некоторые эксперты даже предполагают, что сюжет произведения — плод нездорового воображения психически больного человека.

По разному ее видят и зрители: кто-то олицетворяет ее с предчувствием катастрофы, кто-то считает, что автор писал картину, вдохновляясь изображением мумии. Каждый видит в ней что-то свое.

Девушка с жемчужной сережкой — Ян Вермеер

Известное произведение нидерландского художника Яна Вермеера «Девушка с жемчужной серёжкой» («Девушка в тюрбане») часто называют голландской Моной Лизой. Написана картина была приблизительно в 1665 г. Об этом полотне известно немного. Существует несколько версий того, кто изображен на картине, писал ли ее автор на заказ и кто был заказчиком. По одной из них, Вермеер запечатлел на полотне свою дочь Марию.

Однозначно, это необычная работа, с неповторимой динамикой. Художник передал в произведении тот момент, когда натурщица поворачивает голову и смотрит на того, кого она только что заметила. Автор обратил внимание зрителя на жемчужную сережке в ухе девушки. Мастеру удалось передать связь между молодой женщиной и художником. Ее фигура живет отдельной жизнью, а голова смотрит в другую сторону.

Автопортрет с отрезанным ухом и трубкой — Винсент Ван Гог

Свой знаменитый «Автопортрет с отрезанным ухом и трубкой» нидерландский и французский художник Винсент ван Гог написал в 1889 году, находясь в Арле. Художник страдал психическим заболеванием из-за своего обостренного восприятия действительности и душевной неуравновешенности.

Портрет написан после того, как в припадке безумства Ван Гог отрезал себе мочку уха после ссоры с Гогеном на почве творческих разногласий. Вначале Ван Гог бросил стакан в голову художника, затем бросился на него с бритвой. В тот же вечер он и изувечил себя.

Рассмотрев картину, мы заметим, что фон разделен на две равные части: нижняя зона - красная, верхняя — оранжевая с желтыми вкраплениями. Автор изобразил себя с искаженными чертами лица и потерянным взглядом.

Тайная вечеря — Сальвадор Дали

Знаменитый мастер сюрреализма Сальвадор Дали создал свою «Тайную вечерю» в 1955 году. Картина находится в вашингтонской Национальной галерее. Данное произведение художник писал сложной техникой с использованием фотоматериалов. На картине изображен традиционный сюжет, переданный с точки зрения футуризма.

Дали изобразил собравшихся за одним столом Иисуса Христа и его последователей. Работа перекликается и ярко контрастирует со знаменитой картиной кисти Леонардо да Винчи. Однако на полотне Дали обстановка и герои иные, изображенные с минималистичностью и аутентичностью.

Картина несет зрителю своеобразное нравственное послание. Произведение наполнено светом и легкостью. Из окон, изображенных на нем, мы видим невероятно красивый пейзаж с ясным голубым небом и серебристыми массивами гор.

Олимпия — Эдуард Мане

Олимпия — Эдуард Мане

Картина «Олимпия» была написана французским импрессионистом Эдуардом Мане в 1863. Она по праву занимает почетное место рядом с другими шедеврами мировой живописи.

Однако в 1865 году в Парижском салоне из-за этого произведения произошел громкий скандал. Дело в том, что до Мане обнаженных женщин изображали на картинах как эталон духовной красоты. А эта работа Мане была признана и физически некрасивой, и развратной. Из соображений морали художникам разрешалось изображать обнаженными только героинь античных мифов, исторических или библейских личностей. Тогда как импрессионист нарушил это правило.

Его Олимпию сочли за представительницу «древнейшей профессии», которая только что получила букет от своего любовника. Само название картины общество тоже не приняло, так как этим именем нарекали продажных женщин, и в адрес художника посыпались оскорбительные насмешки.

Дора Маар с кошкой — Пабло Пикассо

Дора Маар с кошкой

Одна из самых дорогих полотен мира — «Дора Маар с кошкой» Пабло Пикассо — была написана художником в 1941 году. На ней изображена возлюбленная художника Дора Маар, сидящая на стуле с маленькой кошкой на плече.

Практически на всех картинах Пикассо Дора выглядит жутковато, это объясняется тем, что написаны они были в нелегкий период их отношений. К тому же мировая война наложила свой отпечаток на жизнь и творчество испанского мастера. Отношения Доры Маар и Пабло Пикассо были отнюдь не романтическими, скорее, это был союз двух творческих личностей.

В работе «Дора Маар с кошкой» художник подчеркнул остроту ногтей посредством изображения черной кошки.

Один: номер 31 — Джексон Поллок

В конце 1940-х годов американский художник Джексон Поллок изобрел новую технику в живописи — он писал на больших холстах, расположив их на полу. Его картины создавались в результате разбрызгивания краски с кистей, он не прикасался ими к полотну.

В работе над своими картинами он использовал палочки, совки, ножи и льющуюся краску или смешивал краску с песком, битым стеклом.

В мире или кто является самым выдающимся художником во Вселенной, можно до бесконечности. В таких вопросах трудно достигается объективная оценка. Ведь каждый человек понимает живопись и воспринимает ее красоту по-своему. Шедевры знаменитых художников остаются глубоко в памяти и восхищают человечество столетиями. Некоторые из них уходят с молотка в частные руки, а некоторые пребывают во всемирно известных музеях. Красивые осенние пейзажи, потрясающие портреты и натюрморты, а также работы в стиле исторической и жанровой живописи западают в души тысячей поклонников искусства.

Шедевры XV века

Как самая красивая картина в мире не только среди произведений живописи, но и среди прославленных русских икон, может быть названа «Троица», написанная Андреем Рублевым в 1425-1427 гг. Сегодня место ее нахождения — Государственная Третьяковская галерея в Москве. созданная мастером, имеет вид доски вертикального формата. При царях Иване Грозном, Борисе Годунове и Михаиле Федоровиче картина обкладывалась драгоценными камнями, золотом и серебром.

На картине в совершенной художественной форме, не нарушая богословских представлений, изображены три ангела, символизирующие согласие и единство. Их благолепие, композиционное размещение и прелесть одеяний создают общую красоту иконы.

Шедевром эпохи Возрождения по праву может считаться картина «Рождение Венеры», написанная Сандро Боттичелли в 1486 г. На ней во всей красе представлен миф рождения Афродиты, плывущей в раскрытой раковине, подгоняемой легким бризом. Западный ветер Зефир вместе со своей женой Хлоридой дует на раковину, образуя потоки воздуха, наполненные цветами. На берегу обнаженную богиню любви ожидает одна из граций.

Известные произведения живописи XVI столетия

Фреска Микеланджело «Сотворение Адама», созданная в 1511 году, также может соответствовать понятию «самая красивая картина в мире».

Творение посвящено сюжетам из Книги Бытия и стало символом западноевропейского искусства. На картине изображен отличного телосложения Адам, который неподвижен в момент приближения Бога, парящего в небесах и окруженного ангелами. Всевышний подступает к своему творению, чтобы вдохнуть в него жизнь. Сегодня эта работа хранится в Ватикане в Сикстинской капелле.

В Дрездене в Галерее старых мастеров находится картина «Сикстинская мадонна», написанная в 1512 году Рафаэлем Санти. Изначально кажется, что на ее заднем фоне расположены облака, но, присмотревшись внимательно, можно увидеть головки ангелов. У зрителя создается впечатление, что Мадонна спускается к нему с небес, смотря прямо ему в глаза. Два маленьких ангелочка, находящихся внизу картины, в наше время очень часто изображаются на различных плакатах и открытках.

Работы Леонардо да Винчи

Необыкновенными по красоте, а также одними из самых дорогих можно считать картины знаменитых художников Винсента Ван Гога, Сальвадора Дали, Пабло Пикассо, Поля Сезанна, Питера Пауля Рубенса и Леонардо да Винчи. Работы последнего заставляют находить прелести во всем не только ценителей искусства, но и простых созерцателей.

Одной из необыкновенных живописных работ Да Винчи считается «Тайная вечеря», которую он создавал около трех лет. В этой фреске особое значение имеют фигуры Христа и Иуды. Интересным фактом является то, что натурщиком для этих образов оказался один и тот же человек. Сначала с юного певчего мастер писал Христа, а спустя несколько лет состарившийся от пьянства мужчина послужил моделью для изображения Иуды.

Миллионы людей ежедневно любуются шедевром «Мона Лиза», он находится на хранении в Париже в Лувре. Загадочная улыбка госпожи Джоконды, с которой в 1503 году писался портрет, и сегодня не перестает завораживать зрителя.

Полотна Караваджо

Нельзя оставить без внимания и работы итальянского художника Микеланджело Меризи да Караваджо. Картины мастера показывают радости жизни и наслаждение плодами, данными человеку природой. Это и «Юноша с корзиной фруктов», и «Юноша с ящерицей», и «Лютнист», и «Мария Магдалина».

Также художник рисовал сцены насилия и жестокости. В 1595-1956 годах он создал картины, где изображено настоящее варварство. Это такие произведения, как "Юдифь и Олоферн".

Титула "Самая красивая картина в мире" заслуживает и живописное полотно под названием "Преображение Святого Павла", написанное на скорую руку. Художник не использовал черновиков и все свое вдохновение сразу переносил на холст. Творцу мировых шедевров удавалось создавать на картинах особое, неестественное освещение, что помогало придавать живописи драматизм.

Красивые осенние пейзажи

Природные явления, отражаемые художниками в своих произведениях, дарят зрителю особое ощущение восхищения. Цветущие луга, белоснежные зимние поля, величественные горы, разноцветная радуга, морские закаты позволяют насладиться естественной красотой. Полотна японского художника, известного под именем Пан Мосси, завораживают осенним буйством красок.

Пейзажи листопада и желтых деревьев рисовал и австралийский творец-самоучка Грэм Геркен. "Россия — государство пейзажей" — так считали многие русские художники. Виды осенней природы изображали на полотнах такие живописцы, как Иван Шишкин и Иван Айвазовский, Исаак Левитан и Многие из их произведений могли бы претендовать на звание "Самая красивая картина в мире".

Пейзаж считается одним из самых востребованных и очень популярных жанров. Пейзажи маслом весьма серьезно интересуют одновременно и простых зрителей, и профессиональных коллекционеров. Красивые масляные пейзажи имеют ярко выраженное свойство и даже некую способность создавать гармоничную и уютную обстановку в доме. По всей видимости, наряду с прочими обстоятельствами и нюансами данный фактор отыгрывает очень большую роль в любви к масляным картинам.

Пейзаж выражает мироощущение художника, стремящегося ото всех сил запечатлеть природу всего в одном её мгновении. Достойным, талантливым художникам это под силу. Возьмем для примера петербургского художника Дмитрия Кустановича и его , исполненную в лучших традициях современного импрессионизма или пейзажи природы маслом китайского художника Hong Leung, творчество которого мы рассмотрим немного ниже в этой статье.

Говорят, в простоте - совершенство. Именно этот постулат хорошо применим к сложнейшему виду искусств - масляной живописи. Ведь художнику не только нужно талантливо и свободно расписать полотно, но, прежде всего, увидеть в обычном и простом всю суть, имя которой красота. Техника масляной живописи при умелом её использовании чудесно передает богатство цвета и многообразие форм. Пейзажи маслом дарят зрителю всю красоту нашей цивилизации. Стоимость таких работ бесценна, ну а если реалистично, то они нередко приобретаются коллекционерами за солидные суммы.

Если смотреть на искусство и творчество в целом, то по логике, чем оно является? Что такое ?! Это всего лишь определенные куски вязкой жидкости, разбрызганные на плоском холсте, да. Но, согласитесь, это определение совершенно неуместно, оно примитивно и глупо, ибо созерцая художественные творения мы ощущаем движение в душе, испытываем эмоции и если перед нами шедевр, то мы плачем и радуемся одновременно, находясь в состоянии здорового внутреннего возбуждения, душевного подъема. Бесспорно, все это философия, применимая к жизни в целом, но все-таки захотелось пропустить её через призму творчества, пейзажей, написанных маслом…

Hong Leung - художник-самоучка, который творит пейзажи маслом с полным отсутствием рамок, из наичистейших цветов, поддаваясь свободе в движении кисти. Можно даже сказать, что авторские пейзажи не написаны, а спеты от души. Вглядываясь в работы китайского художника потихонечку начинаешь тонуть в абстракции, её глубине. В его картинах просматривается уверенность и внутренняя сила. Определенно заметно, что знает, что делает… Степень его правоты вправе оценить каждый из нас.

Еще в 19-летнем возрасте Hong Leung приступил к осуществлению своей мечты. Перед своими глазами он видел вершину и никак иначе. Его мечта осуществилась, он стал профессиональным художником, одним из передовых нео-импрессионистов.

Уже на первых ступенях художественной карьеры, одаренность юноши признали многие коллекционеры и критики Гонконга. Несмотря на то, что Hong Leung был художником-самоучкой, его избирали членом художественных обществ и школ. Мало-помалу пейзажи маслом китайского художника приобрели всеобщее признание. Картины автора принимали участие в крупнейших выставках, были в Канаде, Японии, Австралии, Калифорнии и других странах мира.

Hong Leung не был замкнут на самом себе, что послужило хорошей творческой нивой для двух его сыновей. Они тоже стали художниками, достойным продолжением творчества своего отца.